В изобразительном искусстве натюрмортом (от фран. natur morte - "мертвая природа") принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельное значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины. В натюрморте выражается отношение человека к окружающему миру. В нем раскрывается то понимание прекрасного, которое присуще художнику как человеку своего времени. Искусство вещи издавна, еще задолго до превращения в самостоятельную область художественного творчества, было неотъемлемой частью всякого значительного произведения. Роль натюрморта в картине никогда не исчерпывалась простой информацией, случайным добавлением к основному содержанию. В зависимости от исторических условий и общественных запросов предметы более или менее участвовали в создании образа, оттеняя ту или иную сторону замысла. До того, как натюрморт сложился в самостоятельный жанр, вещи, окружающие человека в обыденной жизни, лишь в той или иной мере входили в качестве атрибута в картины древности. Иногда такая деталь приобретала неожиданно глубокую значительность, получала собственный смысл. Наряду с бытовым жанром натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские добродетели. Действительно, многое из того, что свойственно произведениям исторического, батального и других жанров, натюрморту недоступно. Однако великие мастера доказали, что вещи могут характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца, порождая таким образам, различные ассоциации и социальные аналогии. Натюрморт как жанр живописи можно назвать творческой лабораторией живописи, поскольку он является и составной частью и пробным камнем станкового искусства. В нем максимально раскрываются пластические и колористические возможности живописца, выявляются особенности его мышления. Этот жанр имеет много функциональных особенностей, иногда его называют камерной музыкой живописи. Его используют как учебную постановку, первичную стадию изучения натуры в период ученичества. Профессиональный художник нередко обращается к натюрморту как к живописному этюду с натуры. Натюрморт, как не один из жанров живописи представляет характеристику стольких возможностей для занятий формальными живописными исканиями. Он также может стать самостоятельной картиной, по-своему раскрывающей вечную тему искусства - тему бытия человека. Такая емкость функций натюрмортного жанра и делает живопись неодушевленных предметов сферой поиска не только форм и содержания, но и поиска личного взгляда художника на окружающее, его понимание и ощущение жизни, выработку своего стиля. Радость непосредственного общения с натурой, живой источник изобразительного искусства, в работе над натюрмортом приобретает особый смысл. «Натюрморт - одна из острых бесед живописца с натурой». В работе над натюрмортом никто не отвлекает художника, заставляя его сосредоточиться на собственной живописи, ибо от красоты, глубины и выразительности живописной речи зависит в натюрморте красота и глубина выразительного образа, острота тех ассоциаций, которые этот образ рождает у зрителя. Осмысление простых предметов как частица реальности делает таким этот замечательный жанр живописи.

К этому жанру относятся произведения изобразительного искусства, в которых запечатлен внешний облик конкретного человека (или группы людей). Каждый портрет передает индивидуальные, присущие только портретируемому (или, как говорят художники, модели) черты. Само название этого жанра происходит от старофранцузского выражения, означающего "воспроизводить что-либо черта в черту". Однако внешнее сходство не единственный, да и, пожалуй, не главный критерий художественного достоинства портрета. автор портрета, как правило, не бесстрастный регистратор внешних и внутренних особенностей портретируемого: личное отношение художника к модели, его собственное мировоззрение, его творческая манера накладывают на произведение зримый отпечаток. Искусство портрета насчитывает несколько тысячелетий. Уже в Древнем Египте скульпторы, не углубляясь во внутренний мир человека, создавали довольно точное подобие его внешнего облика. Идеализированные, как бы приобщенные к прекрасному миру богов и мифических героев, образы поэтов, философов, общественных деятелей были распространены в пластике Древней Греции. Поразительной правдивостью и одновременно жесткой определенностью психологической характеристики отличались древнеримские скульптурные портреты.

Живопись, по меткому замечанию художника К. Юона, - "живое письмо или письмо о живом". На первый взгляд это может показаться парадоксальным: ведь живое письмо и письмо о живом не одно и тоже. Но в данном случае парадоксальность этого утверждения только кажущаяся. Словами "письмо о живом" художник раскрывает предмет живописи, а "живое письмо" - ее средства. В живописи передается форма предмета, его цвет, освещающий его свет, фактура материала, пространство, в котором находится изображаемый предмет. Поэтому живопись пользуется такими конкретными изобразительными средствами, как линия, цвет, светотень, воздушная и линейная перспектива и т. д. Эти изобразительные средства позволяют создать на плоскости иллюзию трехмерности, верно передать ощущение объемности предметов окружающего нас мира, сохранить и умножить многокрасочность природы и т. д. "На своих холстах, - писал Паустовский о Ван-Гоге, - он изобразил землю. Он как бы промыл ее чудотворной росой, а она осветилась красками такой яркости и густоты, что каждое старое дерево превратилось в произведение скульптуры, а каждое клеверное поле - в солнечный свет, воплощенный во множестве скромных цветочных венчиков". Это о Ван-Гоге и в то же время - о живописи вообще. Живописец воссоздает реальный мир, используя для этой цели краски, накладываемые на специально подготовленную поверхность. Объемная, трехмерная, полная дыхания жизнь как бы застывает на двухмерной плоскости. Многокрасочная, переливающаяся множеством оттенков, насыщенная игрой светотени полотно подлинного мастера рельефно передает в разнообразной цветовой палитре все богатство жизни. Не ведет к объединению действительности и плоскостная живопись. Накладывая краски на холст или любую другую поверхность, живописец превращает их в цвет, создающий представление и о материальных качествах (фактуре) изображаемого предмета, и об его окраске, и т. д. Введу того, что явление жизни неоднокрасочны и неодноцветны, живопись изображает не только цвет каждого отдельного предмета, но и то сложное сочетание, которое образует предметы, обладающие различным цветом, когда они расположены в определенном виде и даны в совокупности. Сочетание цветов, цветовая гармония и образуют в живописи колорит. Колорит имеет столь большое значение, что иные художники даже утверждают, будто вся живопись основана преимущественно на одном колорите. Они полагают, что впечатления, которые художник получает от жизни, в картине превращаются "в чисто колористические ценности". Конечно, без колорита нет живописи. Средствами колорита художник выражает содержание картины, вызывает определенное настроение при ее восприятии. И часто бывает так, что зритель еще не успевает вникнуть в сюжет, а колорит сразу же создает определенное психологическое отношение к картине, вызывает соответствующие чувства - радостные, тревожные, настороженные и т. д. Благодаря колориту живопись вызывает в зрителе определенное настроение, сопереживание понимание мыслей и чувства людей, которые изображены на картине. Но колорит - не самоцель в искусстве, а средство. Цветовая гамма, живописные качества картины приобретают большую или меньшую ценность в прямой зависимости от того, в какой мере они помогают раскрытию идейно-эстетического замысла. Живописное произведение создается не одним цветом. Каркасом картины является рисунок. Рисунок передает форму предмета, его очертания. Нельзя умалять значения рисунка за счет преувеличения значения цвета. Теоретики антиреалистических течений в живописи, в частности сторонники абстрактного искусства, не только умаляют, а попросту игнорируют значение рисунка. Иные из них утверждают, будто цвет в живописи может играть такую же роль, что и звук в музыке: дело якобы заключается не в реалистическом изображении предметов окружающего нас мира, а в том, чтобы одним только цветом вызвать соответствующие ассоциации у зрителя. Изображая реальную действительность на двухмерной плоскости, живопись создает иллюзию трехмерности и объемности: люди и предметы кажутся находящимися на разных расстояниях от зрителя - одни ближе, другие дальше, а природа изображается ток, что небо кажется простирающимся до самого горизонта. Например, в сравнительно небольшой картине И. Левитана "Владимирка" дорога воспринимается как бесконечность. Впечатление глубины достигается использованием закона перспективы. Линейная перспектива дает возможность построить кажущиеся очертания предметов, а воздушное - изменение в цвете и очертаниях. Благодаря светотени создается иллюзия объема, выпуклости. Светотень образуется тонким и точным сочетанием освещенной и неосвещенной стороны изображаемых в картине предметов. Леонардо да Винчи писал: "Если ты, поэт, сумеешь рассказать и описать явления форм, то живописец сделает это так, что они покажутся оживленными благодаря светотени". Светотеневой принцип, по мнению Леонардо, определяется тем, что "тени тел не должны быть причастными иному цвету, кроме цвета тела, на котором они лежат".

Слово "графика" происходит от греческого "графо", что значит по-русски "пишу", "рисую". Само это название показывает, как много общего между письмом и рисунком. Действительно художник рисует на бумаге, и часто тем же самым, чем пишет, - пером, карандашом. Более того, основным выразительным средством графики является не живописное богатство цвета, а линия, штрих. В графике всегда ощущается плоскость листа бумаги. На нее свободно ложатся линии рисунка, послушно следуя полету мысли художника. Недаром в графике так часто говорят об индивидуальном почерке, о неповторимом своеобразии манеры выражения. Графика - искусство рисунка. Графическое изображение, как правило, состоит из линий, штрихов, точек и т. д. По своей природе графическое изображение условнее живописного, хотя изобразительно-выразительные средства графики во многом те же, что и у живописи. В отличие от живописи цвет в графике преимущественно один (обычно черный), но существует графика, прибегающая и к помощи другого цвета. В графике используется также рисунок пятнами - изобразительное средство, широко примененное, например, в графических листах Мезерееля и Пророкова. Художники-графики могут создавать не только отдельные листы, но и целые серии рисунков, объединенных общей темой. Не прибегая к помощи цвета, графика - искусство необычайно лаконичное своими скупыми средствами может дать и действительно дает не менее значительные в идейно-эстетическом отношении картины жизни, чем живопись. Графику можно делить на станковую и прикладную. Станковая графика, например гравюра, имеет самостоятельное значение. К прикладной относятся те жанры графики, которые связаны с другими видами деятельности или творчества, например промышленная графика или иллюстрация. К жанрам графики относятся все виды графического рисунка - книжная иллюстрация, плакат, карикатура, промышленная графика и т. д. Каждый из этих жанров отличается большой глубиной проникновения в изображаемое явление. Графика - необычайно оперативное искусство, оно идет по горячим следам событий самой жизни и с каждым днем все в большей мере входит не только в общественную жизнь, но и быт людей. Книжная графика - это не только оформление книги (обложка и суперобложка, титул, рисунок в начале и конце текста и т. д.) Иллюстрация ставит задачей раскрыть идеи и образы произведений, внутренне соответствовать его глубинному содержанию Расширение круга воспроизведенных явлений жизни, большая смысловая наполненность, емкость произведения - важная тенденция современной графики. И в станковой графике, и в художественных иллюстрациях в рамке одного листа начинают вмещаться разные, хотя и сопутствующие друг другу сюжеты или разные грани одного сюжета. К искусству графики относится также карикатура и примышленная графика. Графика включает различные виды воспроизведения рисунка: гравюру - отпечаток рисунка с гравировальной доски; литографию - отпечаток с камня или с заменяющей его металлической пластинки. Специфику искусства графики составляет рисунок. Рисунок (как художественно-выразительное средство) хоть и используется во всех видах изобразительного искусства, но в графике он является ведущим, определяющим началом и применяется в более чистом виде. Поэтому можно считать рисунок главным средством графики (как пластику - в скульптуре, цвет - в живописи). Само слово "графика" ведет свое начало от греческого grapho - пишу, рисую. Рисунок демонстрирует характер, темперамент, настроение художника. Язык графики основан, главным образом, на выразительных возможностях линии, штриха, пятна (иногда цветового), фона основы (обычно листа бумаги - белой или тонированной) с которым изображение образует контрастное или нюансное соотношение. Не смотря на то, что цвет в графике имеет большое значение, но используется все же более ограниченно, чем в живописи. Графика тяготеет к монохромности, чаще всего извлекая художественную выразительнось из сочетания двух цветов: белого (либо другого оттенка основы) и черного (или какого-либо другого цвета красящего пигмента). Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики. Станковая графика в зависимости от характера техники подразделяется на два типа: эстамп и рисунок. Эстамп - от французского estamper - штамповать, оттискивать - оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого-либо твердого материала, с которой потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение. Печатание применяется и в прикладной графике, в плакате, книжной иллюстрации. Но там печатная форма изготавливается с оригинала, выполненного художником, фотомеханическим, машинным путем. В станковой же графике для эстампа печатная форма создается самим художником, поэтому получается ряд экземпляров подлинных произведений искусства одинаковой художественной ценности, полностью сохраняющих живой и непостредственный отпечаток творческой работы автора. Сам процесс создания печатной формы из какого-либо твердого материала - дерева, металла, линолеума - называется гравированием (от французского слова graver - вырезать). Рисунок создается с помощью вырезания, процарапывания каким-либо острым инструментом - иглой, резцом. Произведения графики, отпечатанные с гравировальной печатной формы, называют гравюрой. Более доступным в исполнении, не требующим специальных технологий травления, печати является станковый рисунок (рисунок не как одно из художественных средств изобразительного искусства, а как вспомогательное произведение). Рисунок исполняется художником непосредственно на листе бумаги каким-либо графическим материалом - карандашом, углем, тушью, сангиной, акварелью, гуашью.

Гравюрой и называют отпечаток на бумаге, полученный с обработанной особым образом печатной доски. Печатной доской могут служить и деревянная дощечка, и металлическая пластинка и гладкий камень. Художник собственноручно наносит изображение на эту печатную форму и соответствующим образом ее обрабатывает. В зависимости от материала и способа его обработки различают разные виды, или техники, гравюры: офорт, литография, ксилографию и т. д. Но сама по себе доска имеет лишь подсобное значение: целью художника является отпечаток на бумаге - оттиск, или, как его иногда называют эстамп. Правда эстампом считается не каждый оттиск, а лишь тот, который напечатан под непосредственным наблюдением автора и носит не прикладной, иллюстративный, а самостоятельный, как принято говорить станковый характер. Но в чем же смысл гравюры? Почему художник-гравер выполняет сложную и трудоемкую работу по дереву, металлу, камню, а не рисует сразу на бумаге? Рисунок, как и картину, можно сделать только в одном экземпляре. Он по своей природе уникален. Повторить его нельзя, потому что каждая копия и репродукция всегда бывают хуже подлинника. Иначе обстоит дело с гравюрой. Главным ее качеством является тиражность - возможность сделать с одной печатной доски много оттисков. Все эти оттиски будут равноценными художественными произведениями. На любом из листов автор может поставить свою подпись: ведь все они отпечатаны с доски, обработанной его рукой. Стоит же гравюра недорого - намного дешевле, чем рисунок, акварель и тем более картина. Гравюра - это оригинальное художественное произведение. Каждый авторский оттиск - такой же подлинник, как и картина маслом. В том-то и прелесть эстампа, что он дает большое количество равноценных оттисков, каждый из которых самостоятельное художественное произведение. Художник-гравер говорит на языке своего искусства, с учетом всех особенностей материала и техники, и его произведение поэтому оригинально и неповторимо. В нем живет душа художника, чувствуется трепет его руки. Возможности гравюры чрезвычайно широки, ее художественный язык богат и разнообразен. Многогранное, гибкое искусство гравюры привлекло к себе внимание многих выдающихся художников. Все эти художники ценили в гравюре не только ее тиражность, но и ее выразительные возможности. Устойчивость и определенность в сочетании с непосредственностью выражения, лаконизм, острота и точность передачи действительности в сочетании с прелестью самого материала - все эти особенности гравюры открывали перед художниками широкое поле деятельности. плоская гравюра - рисунок и фон находятся на одном уровне; выпуклая гравюра - краска покрывает поверхность рисунка - рисунок выше уровня фона; углубленная гравюра - краска заполняет углубления, рисунок ниже уровня фона. В зависимости от материала, из которого создается печатная форма различают разные виды гравюры: Литография - печатной формой является поверхность камня (известняка). Камень очень гладко полируется и обезжиривается. Изображение на литографический камень наносится специальной жирной литографической тушью или карандашом. Камень смачивается водой, далее накатывается краска, пристающая только к ранее нанесенному рисунку. Литография изобретена в 1798 году. В 19 веке получает распространение в станковой и социально-критической журнальной графике. (Французский художник Оноре Домье: "Опустите занавес, фарс сыгран" 1834г., "Улица Транснонен, 15 апреля 1834 года" 1834г., с 1837 по 1851г. - приблизительно 30 литографических серий - "Робер Манер", "Парижские типы", "Добропорядочный буржуа", "Деятели правосудия".) Альграфия - плоская печать, техника исполнения аналогична литографии, но вместо камня используется аллюминиевая пластина. Ксилография - гравюра на дереве, вырезается специальным резцом. Краска накатывается на плоскость исходной доски. При печати на бумаге белыми остаются участки, вырезанные резцом. Оттиски представляют собой контурный рисунок толстыми черными линиями. Ксилография появилась в средние века всвязи с необходимостью книгопечатания. (Германские художники Альбрехт Дюрер: "Четыре всадника" 1498г. и Ганс Гольбейн Младший серия гравюр "Образы смерти" 1524-1525г.г. ) Линогравюра - гравюра на линолеуме. По технике очень близка к ксилографии. Линолеум - недорогой, доступный материал. Линогравюры более просты в исполнении по сравнению с ксилографией из-за синтетического происхождения используемого материала (однородность, овтсутствие мешающих резцу искусственных волокон). Гравюра по металлу выполняется на цинке, меди, железе, стали. Гравюра по металлу делится на печать с травлением и безтравления. Существует большое количество техник этого вида гравюры - техника сухой иглы (наиболее близка к авторской графике, так как не имеет большого тиража), меццо-тинто ("черная печать"), офорт, акватинта, мягкий лак (или срывной лак). Офорт - от французского eau-forte - азотная кислота. Рисунок процарапывается гравировальной иглой в слое кислотно-упорного лака, покрывающего металлическую пластину. Прцарапанные места протравливаются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. (Французский художник Жак Калло: серия "Большие бедствия войны" 1633г., серия "Низшие" 1622г.) Сухая игла - рисунок наносится непосредственно на металл, путем процарапывания острием твердой иглы штрихов на поверхности металлической доски. Меццо-тинто - от итальянского mezzo - средний и tinto - окрашеный. Вид углубленной гравюры, в которой поверхности металлической доски гранильником придается шероховатость, дающая при печати сплошной черный фон. Участки доски, соответствующие светлым местам рисунка выскабливаются, выглаживаются, полируются. Акватинта - от итальянского aquatinta - метод гравирования, основанный на протравливании кислотой поверхности металлической пластины с наплавленной асфальтовой или канифольной пылью и с изображением нанесенным с помощью кисти кислотоотталкивающим лаком. Имеет огромное количество оттенков от черного до белого. Каждый из вышеупомянутых способов гравюры имеет свои особенности в зависимости от материала и используемых инструментов. Так, например, ксилография более жестка, сурова, по сравнению с гравюрой на металле. По стилю ксилография склонна к преувеличению, обобщению, тяготеет к яркому, экспрессивному образу. Дерево - своевольный, неоднородный материал, диктующий собственные условия. Металл же - более организован, податлив. Ксилографии практически недоступны тонкие, нежно-летящие линии, плотная сеть перекрестных штрихов, которые в гравюре на металле создают постепенный переход от светлого пятна к темному. Ксилография больше походит для создания сатирических произведений, она более народна. (Например, лубки, - народные картинки, относящиеся, как привило, к декоративной графике, отличаются простотой и доступностью образов, откликаютчся на политические события, также изображают сцены быта. Техника исполнения лубка - обычно ксилография, иногда литография или гравюра на меди, раскрашиваемая после печати от руки.) Гравюра же на металле выполненная, например, в технике офорта, как правило, включает в себя строгую систему параллельных и перекрестных штрихов, соответствующих форме изображаемого предмета. Офорту наиболее доступно создание объема, пространства, света. Литография же, в сравнении с другими видами печатной графики, стоит совсем особняком. Как самое непостредственное, гибкое и послушное средство выражения художественных замыслов. И материал в данном случае не диктует никаких своих условий. Художник может рисовать на камне как на бумаге, и изображенное им с точностью отпечатывается на листе. Но литографии недоступна четкость линии, она мене "графична" по сравнению с ксилографией и гравюрой на металле. Ей свойственны мягкие как бырхат, широкие линии штриха. Ночь и ткман ближе этой технике, чем днейвной свет (Французский художник Одилон Родон: "Болотный цветок", из серии "Посвящение Гойе", 1885г.) Таким образом, в зависимости своих замыслов, художник волен выбирать разные техники гравюры.

Скульптура воспроизводит явления жизни в объемной форме. Скульптор создает задуманный им образ из твердых материалов - камня, бронзы, мрамора, определенных пород дерева - с учетом пластических возможностей каждого из них. Основным объектом изображения в скульптуре всегда было лицо и тело человека. В отличие от живописи и графики, изображающих не только человека, но и среду, в которой он живет, скульптура, особенно круглая, изображением среды в прошлом не интересовалась. Представления о времени, образе эпохи скульптура в отличие от других искусств, как правило, всегда давало через непосредственное изображение человека. Современная скульптура расширяет свои изобразительные возможности, она обращается к прямому воспроизведению таких явлений и граней жизни, к которым в прошлом скульпторы не обращались. Не только сам человек, но и окружающая его среда становятся непосредственным объектом интересов скульптора. Еще совсем недавно в 1952 году, выдающийся наш скульптор В. И. Мухина утверждала, что скульптура не может изображать неодушевленные предметы, например, машины, материальные атрибуты среды и т. д. Но в наше время именно эти стороны в действительности все чаще и чаще скульпторы вводят в свои композиции. Так, например, в скульптурной группе "Восьмое Марта" Д. Метлянский показал не только трех человек, сидящих в президиуме собрания и женщину - оратора, но и саму трибуну и стол, покрытый скатертью, и даже висящий над стеной лозунг "Да здравствует Восьмое Марта!". Скульптор ввел в свою композицию и две боковые стенки, ограждающие сцену. Или еще пример: А. Пологова в композиции "Семья колхозника Чувалова" сгруппировала членов этой колхозной семьи вокруг стола во время чаепития. И стулья, и стол, и вкомпонованный в него самовар - словом, бытовая среда - все это выступает необходимым компонентом произведения. В скульптуре с большой силой проявляется гуманистическая природа искусства. Глубокий смысл заключен в том, что искусство скульптуры хотя и знало периоды упадка, но они всегда наблюдались в эпохи господства тирании и подавления человеческой личности. Весьма симптоматичны в этом отношении слова Микеланджело, сказанные им как бы от имени своей знаменитой скульптуры "Ночь": "Мне отрадно спать и еще отраднее быть из мрамора. Пока длится царство пошлости и тирании, не видеть и не чувствовать - высшее для меня счастье. Поэтому не буди меня. Прошу тебя, говори тихо". Великий мастер очень верно усмотрел глубокую враждебность "царство пошлости и тирании" подлинно человеческому искусству скульптуры. В пластическом искусстве скульптуры выразительные средства подчинены задаче объемного воспроизведения человека в материале. Поэтому основными изобразительными средствами скульптуры являются объем, силуэт, пластика, ритм. Они используются таким образом, чтобы созданное художником произведение просматривалось со всех сторон, а силуэт его четко рисовался в пространстве, был органично с ним связан. Произведения скульптуры выступают в виде портрета или бюста (погрудного изображения), полуфигуры и фигуры или статуи (изображение во весь рост). Самым распространенным видом скульптуры является объемная круглая трехмерная скульптура, которую можно рассматривать со всех сторон. Наряду с круглой скульптурой существует еще и рельефно-выпуклое изображение на плоскости. По высоте выступающих из плоскости объемов различают высокий - горельеф, низкий - барельеф и обратный вогнутый - рельеф. Они могут служить и для оформления зданий, быть деталью памятника и т. д. Примером удачного сочетания круглой скульптуры и рельефа является, скажем, памятник Минину и Пожарскому работы скульптора Мартоса, установленный в Москве. Фигуры Минина и Пожарского выполнены в круглой скульптуре, а рельеф на постаменте изображает отдельные эпизоды войны. В развитии художественной культуры особенно большое место занимает скульптура монументальная. К ней относятся памятники, установленные на площадях, парках и других общественных местах с целью увековечения выдающихся исторических деятелей, людей науки и искусства, героев труда, а также важнейших исторических событий. Монументальная скульптура связана с архитектурой или естественное средой: она должна хорошо просматриваться с любой точки и поэтому устанавливается на открытом месте. Ее очертания должны быть ясными и четкими, без чрезмерной детализации и вызывать у зрителя яркое впечатление. Монументальная скульптура в отличие от скульптурных произведений, находящихся в специальных помещениях не рассчитана на близкое рассматривание. Движение в скульптуре, как правило, более сдержанно, чем в живописи: статуя должна быть устойчивой, но объемность скульптуры позволяет представить динамичность очень выразительно. Эта динамичность - важнейшее средство характеристики человека. Так, в скульптурной группе В. Мухиной "Рабочий и колхозница" фигуры не только не кажутся застывшими, но они как бы движутся, и целеустремленностью движения определяется образцовое решение. Существенным элементом выразительности скульптуры является падающий на нее свет. Живописец изображает свет, а скульптор так обрабатывает материал, чтобы плоскости и грани статуи по-разному отражали свет. Он рассчитывает, как скульптура будет освещаться в различное время дня и т. д. Значение освещения как средства выразительности столь велико, что скульпторы даже считают, что свет может убить или возродить скульптуру. Существует скульптура малых форм. К ней относятся небольшие по размеру изделия из фарфора, керамики, статуэтки. Эти произведения нередко находятся на грани скульптуры и декоративно-прикладного искусства.

Сайт управляется системой uCoz

Сайт управляется системой uCoz